Une jeune femme se réveille seule sur une lande déserte. Elle a oublié son identité, ne sait pas où elle se trouve, ne se souvient de rien. Elle tente de comprendre comment elle en est arrivée là, imagine un scénario, échafaude des hypothèses, en creuse une, puis une autre, et peu à peu élabore un récit, les fictions possibles se ramifient. Mais est-ce bien certain ?

Seule est une fiction parue en 2018 aux Editions Inculte qui éditent depuis plusieurs années l’oeuvre de Daniel Foucard. Seule parle du monde à partir d’un point fixe isolé : une femme se réveille dans un territoire inconnu. Le texte a quelque chose d’un thriller psychologique, une enquête où l’état du monde tient lieu de psychologie. C’est aussi une variation contemporaine et féminine de la figure de Robinson Crusoë. Dans cette fiction qui avance par flux et saccades, bifurcations et accélérations, il y a d’abord une écriture jubilatoire pour une comédienne, une partition forte pour un « seule en scène ».

Si Daniel Foucard n’écrit pas pour le théâtre, ses dispositifs littéraires ont cependant quelque chose de théâtral. Les échappées inattendues et les réflexions multiples dessinent un paysage plein de variations dans lequel se dresse le personnage. La découverte du texte coïncide avec la rencontre de Séphora Pondi, jeune interprète découverte dans Désobéir, spectacle qui a révélé un tempérament d’actrice, une présence scénique douée du talent à multiplier les incarnations, passer d’une présence à l’autre, d’un mode d’oralité à l’autre. A la lecture de Seule il était évident que le personnage féminin devait être joué par Séphora Pondi.

Seule a fait l’objet d’une adaptation à la scène intitulée S-E-U-L-E ? réalisée par Sébastien Lepotvin, dramaturge avec qui je collabore depuis 2015 sur l’écriture des spectacles que je mets en scène (Ce qui nous regarde en 2016, Que viennent les barbares en 2019).

Myriam Marzouki

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EXTRAIT

Je suis blanche et fière de l’être comme mes ancêtres le furent, c’est ainsi qu’on les désignait, qu’on les montrait du doigt, blancs tout simplement

Je suis femme et blanche de peau et n’ai de comptes à rendre à personne sauf si je suis noire car rien ne me dit que je suis indiscutablement plus blanche que noire

Personne, dans cette ville déserte, ne me désigne en disant : cette femme est blanche, cette femme est noire, pas même un reflet, un miroir de rue, que je me fasse ma propre idée, quoiqu’en la matière seule l’opinion de l’autre compte vraiment

Il faudrait au moins pouvoir croiser un individu, quelqu’un qui entraverait mon chemin, nous obligeant tous deux à esquisser un petit détour je verrais tout de suite dans son regard si je suis noire ou blanche de peau alors évidemment, c’est une femme que cette personne verrait en premier, belle de surcroît, on sait combien l’attrait sexuel gomme instantanément les différences, mais tout son corps, toute son allure trahiraient une gêne passagère si nous sommes différents, je serais fixée en une fraction de seconde

Il y a fort à parier que les habitants d’ici font exprès de se cacher pour me laisser dans ce doute

Douze jeunes artistes issus de l’école du Théâtre National de Strasbourg, ainsi que l’équipe artistique et technique, s’engagent avec force dans ce banquet dionysiaque que Pascal Rambert a écrit pour eux. Un hymne à la jeunesse, à la liberté et à l’amour qui se joue, se danse et se chante au pied du Monte Verità.

Ils portent leurs vrais prénoms mais jouent à être des personnages de fiction, ils racontent leurs désirs, leurs angoisses, leurs rivalités, leurs différences et leurs ressemblances, leur envie commune de ce théâtre qui les habite si profondément. Accompagné.e.s par le chorégraphe Rachid Ouramdane, ils exposent leurs corps, ils s’épuisent et renaissent pour faire entendre les mots qui disent leur engagement et leur appétit débordant au service d’une passion qui les dévore.

Défrisé, lissé, tissé, perruqué… Le cheveu crépu, serait-il la métaphore de l’identité malmenée? Ce spectacle fait entendre les préoccupations et les désirs d’une génération afropéenne décomplexée.

Écouter attentivement les récits, regarder les images, entendre les silences, décrypter les non-dits pour créer cette fiction documentée, qui fait la part belle à l’imaginaire et à la rêverie, donnant la parole à celles et ceux qui veulent librement assumer leurs différences dans une société qui a du mal avec le pluralisme et le fait minoritaire. Au croisement de l’Histoire, de la sociologie, de l’esthétique et des arts, associant les mots, la musique et la danse, six comédiens et une musicienne remontent par le fil du cheveu l’Histoire des imaginaires noirs, entre révolution esthétique et revendication politique et identitaire.

Qu’est-ce qu’on entend derrière une porte entrouverte ?

Sur le berceau de Raoul né à El Tránsito au Salvador, les fées se sont penchées. Fée n°1 : Mama Betty, sa mère, qui lui donne le goût des costumes. Mais la couture, c’est Paris… La fée n°2 y apparaît, sous les traits d’un certain Copi. À l’Opéra, la fée n°3, c’est Rudolf Noureev. Au Théâtre Gérard Philipe, la fée n°4, Stanislas Nordey, fait passer Raoul des coulisses à la scène. Raoul s’est toujours cherché et il s’est toujours trouvé. Il a appris la langue de Molière en apprenant tout Molière. Il s’en souvient encore. Ce soir, de mémoire, si ça lui chante, il nous dira Le Misanthrope. Marcial Di Fonzo Bo, sa fée n°5, a rencontré Raoul il y a des années et lui a donné régulièrement rendez-vous sur scène. Avec Philippe Minyana, ils le mettent en lumière.

Depuis 2012, je mène une enquête sur la vie onirique dans les grandes villes de notre temps. De la Nouvelle-Orléans à Nanterre en passant par Paris, New York, Rome, Le Caire et le bidonville de Calais, j’ai posé cette question : « As-tu rêvé cette nuit ? As-tu rêvé un jour ? »

Ce projet d’enquête est à mes yeux politique : il consiste à recueillir des témoignages de ces faits-divers qui ont lieu dans l’inframonde, mais aussi, à inventer d’autres modes de relations dans la cité, comme nous l’enseigne la psychothérapie institutionnelle.

Commencé solitairement, ce voyage s’est transformé au fil des rencontres en une ramification d’aventures collectives.

Au fil de ce travail documentaire, d’écoute et de retranscription des paroles recueillies auprès des autres, j’ai tenu un carnet de notes subjectives.

Accompagné dans la finalisation de cette écriture par le metteur en scène Duncan Evennou, au cours de nos enquêtes dans le territoire de Nanterre pendant les élections présidentielles de 2017, mais aussi à New York et dans la ville du Caire, j’ai achevé ce poème documentaire d’un monde où règne un régime onirique de la réalité, cette fiction qui raconte sur un mode second notre aventure – ce combat social d’amour en songe.

Lancelot Hamelin
septembre 2019, Rome

Sur le berceau de Raoul né à El Tránsito au Salvador, les fées se sont penchées. Fée n°1 : Mama Betty, sa mère, qui lui donne le goût des costumes. Mais la couture, c’est Paris… La fée n°2 y apparaît, sous les traits d’un certain Copi. À l’Opéra, la fée n°3, c’est Rudolf Noureev. Au Théâtre Gérard Philipe, la fée n°4, Stanislas Nordey, fait passer Raoul des coulisses à la scène. Raoul s’est toujours cherché et il s’est toujours trouvé. Il a appris la langue de Molière en apprenant tout Molière. La fée n°5, Marcial Di Fonzo Bo, le met en scène et en lumière.

Philippe Minyana
Extrait de Portrait de Raoul

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[PRESSE]

« …une véritable performance »
« …le portrait de Raoul…absolument épatant… »
« …un portrait cousu main… »
Ouest France

« …un triomphe et une grande émotion… »
« …à voir absolument… »
France 3 Normandie

« …à ne sourtout pas manquer… »
Liberté

« …lumineux et profondement humain… »
Your Magazine

« …un portrait touchant »
Normandie Attractivité

Un dimanche. Dans un petit village. Un couple, proche de l’âge de la retraite, qui vient de s’installer pour ouvrir une petite boulangerie bio.

Nouvelle maison. Nouvelle vie. Un dimanche, ils réunissent leurs trois filles et leur conjoint pour l’anniversaire du père. Mais il a surtout une annonce faire, importante, grave. L’aînée vient avec son conjoint, son bébé et la panoplie qui va avec, la cadette idem, la benjamine vient avec sa compagne.

La deuxième a aussi ramené une truite. Lacto-pesco-végétarienne, elle ne mangera pas la blanquette de veau. En fait, on va surtout parler de ça. Pourquoi elle ne ferait pas comme tout le monde ? Ça veut dire quoi «avoir des convictions?» Convaincue de quoi, au juste ? Est-il opportun d’affirmer ses convictions quand ça fait mal aux autres ?

La Truite est une pièce écrite pour les acteurs qui la jouent. Elle parle d’amour, de bouffe, de la famille, de la mort, d’amour, de générations, de valeurs universelles, de communautarismes, d’amour, d’aujourd’hui. Sa structure implacable, se compose de trois parties : entrée, plat, dessert.

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Avec La Truite, j’ai voulu parler de ceux qu’on ne remarque pas, à qui on ne s’intéresse jamais, rendus invisibles non par velléité politique comme on s’arrange des violents, des fous, des pauvres, mais tout simplement par omission, par manque d’intérêt. Ceux qui, de générations en générations pensent le monde, cherchent à le représenter ou se le représenter, mais en définitive ne le font jamais.

Baptiste Amann

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LA PRESSE EN PARLE

(…) Baptiste Amann précipite les tensions jusqu’à leur point ultime. Son texte, mis en scène avec subtilité, est plus convaincant quand il fouille l’anecdote pour en extraire l’acidité que lorsqu’il s’attarde du côté des généralités, comme le conflit générationnel. Mais ne mégotons pas. Ce n’est pas si souvent qu’on croise cette évidence : un auteur est là. Joëlle Gayot, Télérama, TT

(…) La Truite ne suit pas le chemin d’une énigme, elle traverse les courants des amours, conflits et enjeux d’une famille d’aujourd’hui dont les parents ont respiré dans leur jeunesse un air libertaire et l’ont légué en héritage à leurs filles, qui ne savent pas comment s’en dépatouiller. Histoire commune, direz-vous, souvent remise sur le métier du théâtre. Oui, mais le style fait la différence, et celui de Baptiste Amann impose sa teneur. Brigitte Salino, Le Monde (…)

La pièce, qui dure trois heures lesquelles passent comme l’éclair, décrit l’ordinaire parfois gai, parfois triste des familles d’aujourd’hui. On ne peut que louer la mise en scène de Rémy Barché qui, en s’attachant essentiellement au jeu des acteurs, rend la pièce attachante. Joshka Schidlow, Allegro Théâtre (…)

Entre monologues lyriques et échanges groupés qui témoignent d’une grande acuité sur la cellule familiale de notre époque, l’écriture affûtée de Baptiste Amann, à mi-chemin entre rire et gravité, croque sans caricature toutes les complexités des dynamiques familiales, à la fois cocon protecteur et piège sclérosant. Vincent Bouquet, Sceneweb

La pièce se passe dans un vestiaire abandonné. C’est l’un des plus beaux chants de vie qu’il m’ait été donné de lire. Nous sommes allés au bout de nos forces pour tenter de la faire apparaître dans toute son acuité. Mission stimulante et délicate, tant le texte pousse au bout la confiance accordée à l’athlétisme affectif de l’acteur, le pouvoir du langage poussé dans ses retranchements, l’art du glissement, de la rupture, des grands écarts émotionnels. Dans cette histoire, ces 12 mois vécus par une bande de potes, on peut en effet passer du désespoir le plus profond (un désespoir pas aimable, rude, âpre) à la confiance la plus inébranlable dans notre capacité à faire le monde plus prêt à accueillir la belle vie. Rien de très extraordinaire dans ces vies écrites ici, sinon la vie elle-même, représentée dans toute sa plasticité, sa propension à nous faire refaire un tour de montagnes russes alors qu’on n’en demandait pas tant. N’attendez pas de message ici, vous n’en trouverez pas, ou alors prenez les tous, ils sont nombreux, additionnez-les, et accordez-leur la grâce d’exister dans leur contradiction pour que dans leur chaos subsiste une étincelle qui éclaire furtivement notre nuit partagée.

Rémy Barché

Ce texte a été spécialement écrit pour les élèves de la promotion 2017-2019 de la Comédie de Reims.

Production et coréalisation La Comédie – Centre dramatique national de Reims

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La Comédie de Reims

Depuis le 11 septembre 2001, une page nouvelle de l’histoire contemporaine s’est ouverte concernant le terrorisme, non seulement dans les faits, mais aussi dans les consciences. C’est comme si, à force de subir les attentats à répétition, nous étions devenus plus à même de les accepter comme une normalité.

Par un étrange phénomène d’adaptabilité ultra rapide dont notre époque a le secret, les individus ont développé un rapport intime et profond à « l’événement attentat ».

Comme un petit territoire enfoui dans nos corps et nos cerveaux que chacun gère le mieux qu’il peut, l’événement attentat a pris une forme insidieuse et s’est immiscé dans nos intimités retranchées. Révéler ce rapport intime en public est l’objectif de ce projet.